E-Only Festival No. 14
Czytano: 261 razy
E-Only Festival No. 14 – Święto Mrocznych Dźwięków i Elektryzującej Energii
Po raz pierwszy odwiedziłam ten festiwal w zeszłym roku i byłam absolutnie zachwycona—w tym roku nie było inaczej. Dzięki znakomitemu line-upowi, entuzjastycznej publiczności i fantastycznemu miejscu, E-Only Festival No. 14 ponownie udowodnił, że jest jednym z najważniejszych wydarzeń dla fanów mrocznej elektroniki. Nawet gdy wiosna zaczyna malować świat jaskrawymi barwami, w ten weekend w Lipsku rządziła ciemność—przystań dla tych, których przyciąga głębsza, bardziej intensywna strona elektronicznych brzmień.
Festiwal zaprezentował perfekcyjnie dobrany zestaw artystów, z których każdy wniósł na scenę swoją własną wizję—od pulsującego darkwave’u, przez surowe EBM, aż po eksperymentalną elektronikę. Brak nakładających się setów sprawił, że każda prezentacja miała szansę w pełni zaangażować publiczność, zamieniając festiwal w coś więcej niż tylko serię koncertów—stał się wspólnym doświadczeniem, spotkaniem pasjonatów, którzy żyją i oddychają tą muzyką. Energia, atmosfera i czysta jakość muzyczna uczyniły ten weekend niezapomnianą podróżą przez rytm i emocje.
Dzień 1 – Warm-Up Party
El Deux
Nazwa, która jest synonimem początków szwajcarskiego minimal synthu, El Deux zabrzmiało jak kapsuła czasu spleciona ze współczesną nostalgią. Ascetyczne melodie syntezatorowe, ciepłe analogowe brzmienia i wokalna ekspresja przesiąknięta melancholijnym urokiem sprawiły, że ich występ był delikatnym, lecz wciągającym otwarciem festiwalu.
Sydney Valette
Sydney Valette przełamał mgłę nostalgii ostrzejszym, nowocześniejszym podejściem. Jego płynna mieszanka coldwave'u, synthpunku i napędzającej electroenergii miała w sobie surową, buntowniczą siłę. Każdy utwór pulsował intensywnością, splecioną z jego charakterystycznym wokalem—czasem melodyjnym, czasem wręcz wykrzyczanym, zawsze naładowanym emocjami.
Potochkine
Potochkine zaprezentowało jeden z najbardziej hipnotyzujących i fizycznie angażujących występów wieczoru. Ich unikalna mieszanka teatralnej elektroniki, dudniącego EBM-u i nuty surrealizmu zmieniła set w niemal rytualne przeżycie. Przechodząc od hipnotycznych groove’ów do eksplodujących dźwiękowych wyładowań, ich muzyka była zarówno nawiedzająca, jak i porywająca, nie pozwalając oderwać wzroku od sceny. Są zespoły, które po prostu grają muzykę, i są takie, które są muzyką—ciałem w ruchu, dźwiękiem przeistoczonym w energię, elektrycznością ucieleśnioną. Potochkine należy do tej drugiej kategorii. Ich występ to nie tylko precyzyjnie wykonana setlista, ale eksplozja surowej siły, balans między tańcem a buntem, rytuałem a rewolucją.
Trudno uchwycić, co dokładnie sprawia, że ich obecność jest tak magnetyczna. Czy to sam pęd ich pulsujących bitów, tworzonych nie tylko do słuchania, ale do odczuwania? Czy to hipnotyczny, pełen ostrych krawędzi wokal Pauline, przecinający powietrze ciężarem francuskiej poetyki—jednocześnie ostry i uwodzicielski? A może to po prostu niepowstrzymana dynamika między nimi, synergia, która iskrzy niczym ogień spotykający wiatr?
Nie występują razem, poruszają się razem—jak bliźniacze gwiazdy w chaotycznej orbicie, iskry przelatujące między nimi, zawsze na krawędzi zapłonu. Złapanie ich w bezruchu byłoby jak uwięzienie błyskawicy w słoju. Ich energia nie tylko promieniuje na zewnątrz; ona zaraża, pochłania, rozprzestrzenia się jak gorączka. Ruch, który wymusza ruch—niemożliwe jest stać nieruchomo, niemożliwe jest nie dać się porwać ich burzy.
Gdy Pauline wskoczyła w tłum, nie był to zaplanowany spektakl, lecz naturalna konsekwencja wieczoru—granice zniknęły, scena i publiczność stały się jedną pulsującą całością. Właśnie w tym tkwi największa siła Potochkine: w rozpuszczaniu dystansu między artystą a słuchaczem, między kontrolą a zatraceniem. Nie zostawiają nic dla siebie, i w zamian oczekują tej samej pełnej gotowości do oddania się chwili.To było coś więcej niż koncert. To była prędkość, uderzenie, czysta kinetyczna piękność przełożona na dźwięk. Potochkine nie prosi o twoją uwagę. Oni ją biorą, wciągają cię i zanim ostatnia nuta wybrzmi, zostawiają cię bez tchu, żywego i głodnego więcej.
Psyche
Zespół, który nie wymaga przedstawienia – Psyche to jedna z najbardziej wpływowych formacji muzyki dark electronic, a ich występ był tego doskonałym potwierdzeniem. Hipnotyzujący wokal Darrina Hussa, unoszący się nad mrocznymi syntezatorowymi pejzażami i pulsującym rytmem, stworzył spektakl pełen emocji i mocy. Podróż przez ich bogatą dyskografię była prawdziwą lekcją melancholijnego synthpopu, owiniętego w taneczny, hipnotyczny puls.
Black Nail Cabaret
Koncerty Black Nail Cabaret to coś więcej niż występy – to spektakle, starannie skonstruowane narracje, w których muzyka, słowa i światło łączą się w hipnotyczną alchemię. To monolog, który staje się dialogiem, szept, który przeradza się w okrzyk, rytuał, w którym wrażliwość i siła pulsują surową emocją i nieustępliwą precyzją. W centrum tego spektaklu znajduje się Emese – siła natury, która nie tylko śpiewa, ale wciela się w każdą frazę, nadając jej napięcie, tajemniczość i pulsujące życie. Jej obecność to paradoks: burza zamknięta w bezruchu, szept, który waży więcej niż krzyk. Każdy jej ruch, spojrzenie, gest są świadomie dobrane – precyzyjne jak w kinowej scenie, w której każda sekunda ma znaczenie.
Powściągliwość jest ich tajną bronią. Każdy element – czy to subtelny ruch, błysk światła czy cień padający w idealnym momencie – jest wyostrzony do granic intensywności. Makijaż to maska, ale nigdy przebranie. Kostiumy to manifest, ale nigdy rozpraszający dodatek. Teatralność jest subtelna, a jednocześnie uderzająca – niczym rama podkreślająca, a nie zasłaniająca obraz. Muzyka pozostaje centrum, siłą grawitacyjną, wokół której wszystko krąży. A grawitacja ta jest niezwykle potężna. Świat dźwięków Black Nail Cabaret to labirynt neonowej melancholii, pulsujący darkwave’ową zmysłowością i elektroniczną precyzją. Ich set w Lipsku potwierdził ich znakomitą formę – utwory rozwijały się niczym intymne wyznania, delikatne, ale jednocześnie pełne buntu, z emocjonalnym ładunkiem, który zostawał z publicznością jeszcze długo po wybrzmieniu ostatniego dźwięku. To nie był zwykły koncert – to było wezwanie, rytuał, komunia między artystą a publicznością. Black Nail Cabaret nie domagają się uwagi – oni nią władają z elegancją, która jest tylko ich. A Lipsk, tej nocy, stał się świadkiem ich niezwykłego, muzycznego teatru emocji i znaczeń.
DJ Daniel Myer & Sash
Na zakończenie wieczoru Daniel Myer i Sash zadbali o to, by nikt nie opuścił klubu bez wytańczenia ostatnich godzin nocy. Ich starannie dobrana mieszanka mrocznych elektronicznych brzmień była idealnym pomostem do cięższych, intensywniejszych wrażeń drugiego dnia festiwalu.
Dzień 2
Główna Scena
Vogon Poetry
Z nazwą nawiązującą do Autostopem przez Galaktykę, Vogon Poetry zaprezentowali zestaw pełen synthpopowej energii, błyszczący melodią i emocjami. Po raz pierwszy zainteresowałam się Vogon Poetry, gdy dowiedziałam się, że odważyli się na cover IAMX – to wybór, który mówi wiele o ich artystycznej pewności siebie i ambicji. Zmierzenie się z tak skomplikowanym i emocjonalnie naładowanym artystą to niemałe wyzwanie, więc naturalnie chciałam się przekonać, czy potrafią przenieść ten sam poziom intensywności, głębi i bogactwa dźwiękowego na scenę. I udało im się. Ich występ był ujmujący i angażujący – nie tylko pod względem brzmienia, ale i emocji. Od pierwszych chwil na scenie emanowali autentycznym entuzjazmem i pasją do swojej muzyki, tworząc więź, która roznosiła się po całej sali. To nie jest po prostu zespół grający swoje utwory – oni są całkowicie zanurzeni w swojej sztuce, a to czuć w każdej nucie, każdym ruchu, każdej ekspresji. Występ Vogon Poetry przepełniony był energią, szczerością i zaraźliwą radością z grania. Ich set doskonale balansował między melodyjnymi, syntezatorowymi momentami a pulsującymi rytmami, sprawiając, że trudno było się nie dać porwać. Ich kontakt z publicznością był naturalny, wciągając wszystkich do swojego świata – świata pełnego zabawy, głębi i miłości do synthpopowej narracji. Obserwując ich na żywo, staje się jasne, że to zespół, który tworzy z prawdziwym zaangażowaniem. Nie ma tu pozy, chłodnego dystansu – jest jedynie czysta, nieprzefiltrowana pasja do ich rzemiosła. A taka autentyczność jest rzadkością i działa odświeżająco. Przyszłam dla zespołu, który odważył się na cover IAMX, ale zostałam dla ich uroku, artyzmu i energii, jaką Vogon Poetry wnieśli na scenę.
Accessory
Accessory dostarczyli potężnej dawki energii w Lipsku, łącząc swoje charakterystyczne, mocne beaty z elektryzującą obecnością sceniczną. Ich brzmienie było ostre, nieustępliwe i całkowicie immersyjne – idealne oddanie ich unikalnej fuzji EBM i industrialnych elektronicznych brzmień. Jednak tym, co naprawdę wyniosło ich występ na wyższy poziom, była wizualna oprawa – dynamiczny pokaz wzbogacony obecnością dwóch hipnotyzujących tancerek, których ruchy doskonale synchronizowały się z pulsującymi rytmami, potęgując surową intensywność muzyki. Interakcja między zespołem a tancerkami nadawała całemu występowi dodatkowy wymiar. Ich choreografia nie była jedynie dodatkiem – stała się integralną częścią koncertu, odzwierciedlając moc, agresję i precyzję brzmienia Accessory. Każdy utwór brzmiał niczym dźwiękowy atak, wciągając publiczność coraz głębiej w stan czystej energii i ruchu.
Zespół panował nad sceną z pełnym przekonaniem i charyzmą, bez trudu angażując tłum, czerpiąc energię od publiczności i oddając ją z dziesięciokrotną siłą. Ich występ nie był tylko muzyką – to była atmosfera, wizualny spektakl i czysta moc chwili.
Rotersand
Kocham Rotersand od czasu wydania Exterminate Annihilate Destroy, a za każdym razem, gdy słyszę ich beaty, moje stopy same zaczynają poruszać się w rytm. Lipsk nie był wyjątkiem. Całe Altes Stadtbad pulsowało w jedności, ciała kołysały się i poruszały zgodnie z napędzającą mocą ich dźwięków. To nie była tylko muzyka – to był kinetyczny prąd, fala energii, która przetoczyła się przez całą salę jak niepowstrzymana burza. Rasc i Krischan dostarczyli występ, który na długo pozostanie w mojej pamięci. Ich set był eksplozją dźwięku, rytmu i surowych emocji, perfekcyjnie skomponowaną, by rozpalić publiczność. Z utworu na utwór synergia między sceną a tłumem rosła – energia odbijała się tam i z powrotem, wzmacniając się z każdym beatem, każdym refrenem. Powietrze było naładowane, iskry przelatywały, a ekscytacja stała się niemal namacalna. Duet emanował magnetyzmem, ich interakcja z publicznością była naturalna i angażująca. To nie było tylko granie – to było dzielenie się muzyką, wymiana energii, wzajemne nakręcanie się. Ten koncert przekroczył granice zwykłego występu – stał się czymś pierwotnym, euforycznym i całkowicie pochłaniającym. Endorfiny eksplodowały, muzyka pulsowała w żyłach, a na końcu nie było żadnych wątpliwości – to było Rotersand w najlepszym wydaniu. Noc czystej, nieskrępowanej energii i niezapomniany pokaz tego, dlaczego wciąż pozostają jedną z najbardziej elektryzujących grup na scenie. Brawo.
In Strict Confidence
Mroczni, filmowi i naładowani emocjami – In Strict Confidence od zawsze byli mistrzami łączenia niepokojących wizualizacji z potężną sceniczną prezencją, a ich występ na E-Only Festival No. 14 nie był wyjątkiem. Tym razem zabrali publiczność w podróż w przeszłość, prezentując specjalny old-school set, przywracając na scenę surową intensywność i atmosferę swoich wcześniejszych utworów. Setlista została starannie dobrana, by oddać charakterystyczne połączenie mrocznych elektronicznych pejzaży dźwiękowych, pulsujących beatów i dramatycznych melodii, budząc zarówno nostalgię, jak i nową falę zachwytu. Gra świateł, sugestywne wizualizacje i niepowtarzalny głos Dennisa Ostermanna stworzyły immersyjny świat, który jednocześnie wydawał się intymny i monumentalny. To, co uczyniło ten koncert tak mocnym, to umiejętność In Strict Confidence do balansowania między ciężarem a melodią, agresją a elegancją. Każdy utwór uderzał z precyzją – czy to poprzez głębokie, pulsujące linie basu, czy przez rozległe, filmowe aranżacje syntezatorowe. Występ nie był jedynie hołdem dla ich przeszłości, ale również przypomnieniem o ich trwałym wpływie na scenę dark electronic. Dla długoletnich fanów była to rzadka okazja, by doświadczyć In Strict Confidence w ich klasycznej odsłonie; dla nowych słuchaczy – fascynujące wprowadzenie do ich nieprzemijającej magii.
Aesthetic Perfection
Koncert Aesthetic Perfection w Lipsku otworzył trasę Oldschool Set, poświęconą wyłącznie muzyce wydanej przed 2011 rokiem. To odważny ruch, który naturalnie wywołuje dyskusje wśród fanów. Niektórzy twierdzą, że wcześniejsze utwory miały surowszy, bardziej określony charakter, inni zaś widzą późniejszy materiał jako dowód ewolucji Daniela Gravesa jako artysty. To wieczny dylemat w muzyce – trzymać się sprawdzonej formuły i zachować stałe grono odbiorców, czy ryzykować, eksperymentować i ewentualnie stracić część fanów, zdobywając jednocześnie nowych. Jedno jest pewne: Graves nigdy nie bał się ewoluować, prowokować swojej publiczności i igrać z oczekiwaniami. To, co czyni Aesthetic Perfection tak hipnotyzującym, to nie tylko sama muzyka, ale czysta siła sceniczna – nieposkromiona energia, którą Graves wnosi na scenę. Jego obecność to mieszanka agresji, pasji i teatralności, które ucieleśniają intensywność pulsującą w jego utworach. Jego muzyka, niczym rozżarzona gwiazda, płonie z furią – ekspresyjna, przepełniona emocjami i głęboko osobista. Kwestia tego, czy ktoś woli wcześniejsze czy późniejsze wcielenie Aesthetic Perfection, pozostaje otwarta na dyskusję, ale jedno się nie zmienia – Graves potrafi zawładnąć sceną. Ten koncert był tego dowodem – kiedy artysta osiąga pewien poziom mistrzostwa, dostarcza show, chyba że naprawdę się postara, by zawieść. W tym przypadku o porażce nie było mowy. Występ był elektryzujący, płynnie łącząc nostalgię z surową energią, która od początku definiowała Aesthetic Perfection. Doskonały koncert – od początku do końca.
De/Vision
Zamykając koncerty na głównej scenie, De/Vision przypomnieli wszystkim, dlaczego są jedną z najbardziej wpływowych formacji synthpopowych. Ponadczasowi, pełni emocji i dźwiękowo bogaci, dostarczyli występu, który był pięknym, wzniosłym kontrastem wobec bardziej agresywnych momentów festiwalu.
Druga Scena
frequen-C / TC75
TC75 i Frequen-C dostarczyli intensywne, hipnotyczne doświadczenie dźwiękowe w Lipsku, zacierając granice między industrialem, eksperymentalną elektroniką i surową emocjonalną ekspresją. Tino Claus to kreatywna siła rozproszona na wiele projektów – Amnistia, TC75, ner.ogris, czy jego wokalna współpraca z Spherical Disrupted to tylko niektóre z nich. Jego wszechstronność pozwala mu poruszać się między różnymi obszarami muzyki elektronicznej i industrialnej – od precyzyjnego pulsu dark electro po nieskrępowaną agresję bardziej brutalnych brzmień. W tej kolaboracji z Frequen-C to właśnie ta druga strona wysunęła się na pierwszy plan – visceralna, bezkompromisowa podróż przez ciężkie, industrialne pejzaże.
Była to audiowizualna konfrontacja – starcie dźwięku i obrazu, które było ostre jak brzytwa, wzmacniając intensywność muzyki. Pulsujące beaty splatały się z przesterowanymi teksturami, a głębokie, chropowate warstwy dźwięku tworzyły atmosferę, która była jednocześnie hipnotyzująca i niepokojąca. Claus dominował scenę, jego obecność podkreślała pilność i moc przekazu. Muzyka była gęsta, wielowarstwowa i przepełniona emocjami, wykraczając poza tradycyjne ramy EBM czy dark electro i wchodząc w bardziej pierwotne, konfrontacyjne rejony. Frequen-C dodatkowo wzmocnił ten efekt, wprowadzając nieprzewidywalne elementy, które rozmywały granice między strukturą a chaosem. Było tu kontrolowane nieuporządkowanie – rytmiczne wzory pojawiały się tylko po to, by zaraz zostać zdekonstruowane, beaty nabierały mocy, by po chwili rozpaść się na brutalniejsze, bardziej poszarpane dźwięki.
To nie była muzyka do biernego słuchania – to było doświadczenie, które należało poczuć całym ciałem, całkowicie się w nim zanurzyć. Ten występ wymagał zaangażowania – nie tylko fizycznego, ale i intelektualnego oraz emocjonalnego. Balans między agresją a atmosferą, precyzją a surowością, sprawił, że był to set, który pozostawał w głowie jeszcze długo po tym, jak wybrzmiała ostatnia nuta. W czasach, gdy industrial bywa przewidywalny, TC75 i Frequen-C udowodnili, że wciąż jest miejsce na nieoczywistość, intensywność i prawdziwy emocjonalny ciężar.
AD:keY
Pierwszy raz zobaczyłam Ad:keY na żywo w 2019 roku na Schattenwelt Festival w Wiedniu i już wtedy ich niesamowita energia oraz scenicza charyzma zrobiły na mnie ogromne wrażenie. Rdzeniem zespołu są René i Andrea Nowotny, których chemia na scenie jest absolutnie niezaprzeczalna – ich koncerty to nie tylko występy, ale wręcz elektryzujące przeżycia. Andrea szczególnie przypomina mi płonącą iskrę – pełną wdzięku, charyzmy i siły, magnetyzującą publiczność każdym ruchem.
Muzycznie Ad:keY dostarczają dokładnie tego, co kocham – energetyczne, klubowe beaty, pulsujące rytmy i chwytliwe melodie, które sprawiają, że trudno ustać w miejscu. Ich brzmienie jest bezkompromisowe, dynamiczne i pobudzające – każdy utwór wydaje się zaproszeniem do ruchu. Uwielbiam tańczyć do ich muzyki, zatracać się w ich bitach i czerpać energię z ich niepowstrzymanej energii scenicznej, ale to, co dodaje całości jeszcze większej mocy, to ich wzajemne porozumienie na scenie. Ich spojrzenia, synchronizacja, dzielona pasja – wszystko to sprawia, że ich występy mają niepowtarzalny emocjonalny ładunek i autentyczność. Tym razem w Lipsku do duetu dołączyła Franzi, której obecność nadała ich setowi jeszcze większej głębi i intensywności. Jej dynamika i synergia z Andreą stworzyły niesamowitą sceniczną aurę – dwie potężne siły rozświetlające scenę, podczas gdy René trzymał wszystko w ryzach zza klawiszy, zapewniając precyzję i moc napędzającą brzmienie Ad:keY.. Oglądanie ich na żywo to czysta radość – występ pełen niepowstrzymanej energii, niekończącego się ruchu i atmosfery tak zaraźliwej, że cała sala dała się porwać ich rytmom. Ad:keY nigdy nie zawodzą, a ten wieczór był kolejnym dowodem na to – mocny, wciągający i absolutnie doskonały do tańca.
Zweite Jugend
Zweite Jugend to nie tylko kolejny elektroniczny projekt – to manifest. Zespół, który niesie swoją filozofię w każdej nucie, każdym tekście, każdym występie. Zobaczenie ich na żywo po raz pierwszy w Lipsku było doświadczeniem wykraczającym poza muzykę; to był znak artystycznej i ideologicznej ekspresji, który poruszył mnie głęboko. Tęczowa opaska na ramieniu Eli’ego i flaga dumy na scenie nie były jedynie symbolami – były dowodem na niezachwiane zaangażowanie Zweite Jugend w stanie na straży wartości, w wykorzystywanie muzyki zarówno jako broni, jak i tarczy. Eli, wszechstronny i wykształcony muzyk, ma na koncie udział w niezliczonych projektach – Tension Control, Orange Sector, a nawet występy z Frontline Assembly. Ale Zweite Jugend to coś zupełnie innego. To nie tylko dynamiczna i elektryzująca muzyka – to świadoma kreacja. Każda piosenka, każdy beat, każda interakcja z publicznością kryje w sobie przekaz. Wraz z Marcelem nie tylko grają muzykę – zadają pytania, które pozostają w głowie długo po zakończeniu koncertu. Ich najnowszy album, Der Wille zur Nacht, opiera się na głębokich filozoficznych poszukiwaniach, czerpiąc inspirację z Tako rzecze Zaratustra Nietzschego. Koncepcje tworzenia i rozpadu, wiecznego powrotu, cyklu destrukcji i odrodzenia – to fundament ich twórczości. Jednak to, co wyróżnia Zweite Jugend, to sposób, w jaki przekładają te idee na coś osobistego, coś, co nie jest odległe ani zdystansowane, lecz surowe i emocjonalnie naładowane.Na scenie było to widoczne w każdej sekundzie. Ich set był intensywny – mieszanka kontrolowanego chaosu i precyzyjnej kalkulacji, napędzających beatów, które zmuszały do ruchu, ale i głębi, która wymagała refleksji. Czuło się pilność, poczucie, że to nie jest tylko rozrywka, ale manifest – zaproszenie do konfrontacji nie tylko z muzyką, ale i z pytaniami, które ze sobą niesie.Występ był ostry, immersyjny i przede wszystkim – istotny. Przypomnienie, że muzyka może być czymś więcej niż falami dźwiękowymi; może być siłą, rewolucją, rozliczeniem. Zweite Jugend nie tylko występują – prowokują, kwestionują, inspirują. I w Lipsku właśnie to zrobili.
No Sleep by the Machine
Nazwa No Sleep by the Machine przewijała się w rozmowach sceny elektro już od jakiegoś czasu, owiana aurą tajemnicy i undergroundowego kultu. Gdy zespół zaczyna budować wokół siebie legendę, rzeczywistość może potoczyć się dwiema drogami – albo spełnią oczekiwania, albo mit okaże się większy niż prawda. Na szczęście w tym przypadku spełnienie było całkowite. Ich występ był jak wysokonapięciowy wstrząs elektryczny. Żadnych zbędnych ozdobników, żadnego nadmiaru – tylko czysta siła dźwięku. Minimalistyczna oprawa wizualna kontrastowała z dźwiękową burzą, falą beatów, które miały w sobie siłę zdolną wstrząsnąć betonem. Porównanie do Nitzer Ebb nasuwało się samo – ostre, pulsujące rytmy, bezkompromisowa energia – ale No Sleep by the Machine nie sprawiali wrażenia, jakby kopiowali przeszłość. Zamiast tego, przejęli tę surową esencję EBM i przekształcili ją w coś współczesnego, coś ostrego, naglącego, przykuwającego uwagę.Prawdziwą siłą koncertu była jednak sceniczna charyzma wokalisty. Hipnotyzujący, naładowany energią i w pełni panujący nad sytuacją – on nie tylko śpiewał, on dowodził. Każdy utwór uderzał z chirurgiczną precyzją, nie pozostawiając miejsca na dekoncentrację – była tylko pełna immersja. To była muzyka w swojej najczystszej, najbardziej pierwotnej formie, bez wypełniaczy, bez udawania – tylko pulsujące, industrialne elektro w najbardziej surowym wydaniu.Dla tych, którzy pragną esencji electronic body music bez kompromisów, No Sleep by the Machine dostarczyli show z intensywnością, która nie pozostawiała wątpliwości. Eksplozja dźwięku, rytmiczna nawałnica i koncert, który nie tylko spełnił oczekiwania – on je zmiażdżył.
Leæther Strip
Leæther Strip od dawna jest jednym z kluczowych nazwisk sceny electro-industrial, a ich występ był dowodem na ich trwały wpływ i siłę oddziaływania. Pulsujące beaty, surowa energia i niepodrabialna intensywność – Claus Larsen zawładnął sceną swoją charakterystyczną mieszanką agresji i emocji. Set dostarczył dokładnie tego, czego fani mogli oczekiwać – potężnych, bezkompromisowych rytmów, mocnych wokali i nieustępliwej dźwiękowej siły, która wypełniła całą przestrzeń. Jednak poza samą mocą muzyki w występie było coś więcej – niezaprzeczalna autentyczność. Każdy elektroniczny puls i każda linijka tekstu miały swój ciężar, były przeżywane i przekazywane z maksymalną intensywnością. Chociaż show zanurzało się w mrocznej, brutalnej stronie industrialu, to jednocześnie tworzyło silną więź z publicznością. Larsen nawiązał z tłumem relację, będąc jednocześnie potężną sceniczną siłą i osobą, której emocje były prawdziwe, namacalne. Leæther Strip nieprzerwanie udowadniają, dlaczego pozostają filarem gatunku – wierni swoim korzeniom, a jednocześnie wciąż brzmiący świeżo i mocno, trafiając do kolejnych pokoleń fanów.
Cat Rapes Dog
Cat Rapes Dog dostarczyli dokładnie tego, czego można oczekiwać od zespołu o ich statusie – czystej, nieprzefiltrowanej energii, odrobiny bezczelnego humoru i elektryzującego występu, który porwał całą salę. Ich niesamowita synchronizacja na scenie była potężnym widowiskiem – wściekłe gitary idealnie współgrały z pulsującą elektroniką, a mocne wokale napędzały występ siłą nie do zatrzymania. Od pierwszych taktów zespół rozpętał dziką, niepowstrzymaną atmosferę, zmieniając całą salę w pulsującą masę ciał, pochłoniętych ich industrialno-punkową furią. Ich sceniczna prezencja nie była tylko potężna – była wręcz magnetyczna. Każdy ruch, każde spojrzenie, każdy dźwięk potęgowały energię, która wypełniała przestrzeń od ściany do ściany. Jednak to, co naprawdę wyróżniało ten koncert, to ich specyficzne poczucie humoru i interakcja z publicznością. Pomiędzy kolejnymi eksplozjami dźwiękowymi nawiązywali kontakt z widzami z figlarną, niemal psotną energią, dając do zrozumienia, że chociaż traktują swoją muzykę poważnie, to jednocześnie wiedzą, jak dobrze się bawić. Ta dynamiczna mieszanka mocy i humoru, intensywności i lekkości stworzyła atmosferę, która była nie tylko ekscytująca, ale też całkowicie pochłaniająca.
Pod koniec ich występu energia w sali była namacalna, niczym naładowane elektrycznością powietrze przed burzą. Cat Rapes Dog udowodnili, że nie są tylko zespołem wspominanym przez pryzmat nostalgii czy kultowego statusu – to wciąż żywa, pulsująca siła industrialnej energii, zdolna rozniecić ogień w każdej sali koncertowej.
DJs A.L.E.X & Paradroid
Na zakończenie festiwalu, gdy ostatnie godziny zamieniły się w pełne potu, niekończące się tańce, A.L.E.X i Paradroid stworzyli afterparty, które utrzymało intensywność aż do ostatniego beatu.
Podsumowanie
E-Only Festival No. 14 to mistrzowskie zderzenie stylów, brzmień i czystej, emocjonalnej energii. To festiwal, który nie tylko dostarcza rozrywki – on zostawia ślad, który rezonuje jeszcze długo po wybrzmieniu ostatnich dźwięków.
Kolejna edycja odbędzie się w Lipsku w dniach 13-14 marca 2026. Zapiszcie tę datę!
https://www.eonly-festival.de
Po raz pierwszy odwiedziłam ten festiwal w zeszłym roku i byłam absolutnie zachwycona—w tym roku nie było inaczej. Dzięki znakomitemu line-upowi, entuzjastycznej publiczności i fantastycznemu miejscu, E-Only Festival No. 14 ponownie udowodnił, że jest jednym z najważniejszych wydarzeń dla fanów mrocznej elektroniki. Nawet gdy wiosna zaczyna malować świat jaskrawymi barwami, w ten weekend w Lipsku rządziła ciemność—przystań dla tych, których przyciąga głębsza, bardziej intensywna strona elektronicznych brzmień.
Festiwal zaprezentował perfekcyjnie dobrany zestaw artystów, z których każdy wniósł na scenę swoją własną wizję—od pulsującego darkwave’u, przez surowe EBM, aż po eksperymentalną elektronikę. Brak nakładających się setów sprawił, że każda prezentacja miała szansę w pełni zaangażować publiczność, zamieniając festiwal w coś więcej niż tylko serię koncertów—stał się wspólnym doświadczeniem, spotkaniem pasjonatów, którzy żyją i oddychają tą muzyką. Energia, atmosfera i czysta jakość muzyczna uczyniły ten weekend niezapomnianą podróżą przez rytm i emocje.
Dzień 1 – Warm-Up Party
El Deux
Nazwa, która jest synonimem początków szwajcarskiego minimal synthu, El Deux zabrzmiało jak kapsuła czasu spleciona ze współczesną nostalgią. Ascetyczne melodie syntezatorowe, ciepłe analogowe brzmienia i wokalna ekspresja przesiąknięta melancholijnym urokiem sprawiły, że ich występ był delikatnym, lecz wciągającym otwarciem festiwalu.
Sydney Valette
Sydney Valette przełamał mgłę nostalgii ostrzejszym, nowocześniejszym podejściem. Jego płynna mieszanka coldwave'u, synthpunku i napędzającej electroenergii miała w sobie surową, buntowniczą siłę. Każdy utwór pulsował intensywnością, splecioną z jego charakterystycznym wokalem—czasem melodyjnym, czasem wręcz wykrzyczanym, zawsze naładowanym emocjami.
Potochkine
Potochkine zaprezentowało jeden z najbardziej hipnotyzujących i fizycznie angażujących występów wieczoru. Ich unikalna mieszanka teatralnej elektroniki, dudniącego EBM-u i nuty surrealizmu zmieniła set w niemal rytualne przeżycie. Przechodząc od hipnotycznych groove’ów do eksplodujących dźwiękowych wyładowań, ich muzyka była zarówno nawiedzająca, jak i porywająca, nie pozwalając oderwać wzroku od sceny. Są zespoły, które po prostu grają muzykę, i są takie, które są muzyką—ciałem w ruchu, dźwiękiem przeistoczonym w energię, elektrycznością ucieleśnioną. Potochkine należy do tej drugiej kategorii. Ich występ to nie tylko precyzyjnie wykonana setlista, ale eksplozja surowej siły, balans między tańcem a buntem, rytuałem a rewolucją.
Trudno uchwycić, co dokładnie sprawia, że ich obecność jest tak magnetyczna. Czy to sam pęd ich pulsujących bitów, tworzonych nie tylko do słuchania, ale do odczuwania? Czy to hipnotyczny, pełen ostrych krawędzi wokal Pauline, przecinający powietrze ciężarem francuskiej poetyki—jednocześnie ostry i uwodzicielski? A może to po prostu niepowstrzymana dynamika między nimi, synergia, która iskrzy niczym ogień spotykający wiatr?
Nie występują razem, poruszają się razem—jak bliźniacze gwiazdy w chaotycznej orbicie, iskry przelatujące między nimi, zawsze na krawędzi zapłonu. Złapanie ich w bezruchu byłoby jak uwięzienie błyskawicy w słoju. Ich energia nie tylko promieniuje na zewnątrz; ona zaraża, pochłania, rozprzestrzenia się jak gorączka. Ruch, który wymusza ruch—niemożliwe jest stać nieruchomo, niemożliwe jest nie dać się porwać ich burzy.
Gdy Pauline wskoczyła w tłum, nie był to zaplanowany spektakl, lecz naturalna konsekwencja wieczoru—granice zniknęły, scena i publiczność stały się jedną pulsującą całością. Właśnie w tym tkwi największa siła Potochkine: w rozpuszczaniu dystansu między artystą a słuchaczem, między kontrolą a zatraceniem. Nie zostawiają nic dla siebie, i w zamian oczekują tej samej pełnej gotowości do oddania się chwili.To było coś więcej niż koncert. To była prędkość, uderzenie, czysta kinetyczna piękność przełożona na dźwięk. Potochkine nie prosi o twoją uwagę. Oni ją biorą, wciągają cię i zanim ostatnia nuta wybrzmi, zostawiają cię bez tchu, żywego i głodnego więcej.
Psyche
Zespół, który nie wymaga przedstawienia – Psyche to jedna z najbardziej wpływowych formacji muzyki dark electronic, a ich występ był tego doskonałym potwierdzeniem. Hipnotyzujący wokal Darrina Hussa, unoszący się nad mrocznymi syntezatorowymi pejzażami i pulsującym rytmem, stworzył spektakl pełen emocji i mocy. Podróż przez ich bogatą dyskografię była prawdziwą lekcją melancholijnego synthpopu, owiniętego w taneczny, hipnotyczny puls.
Black Nail Cabaret
Koncerty Black Nail Cabaret to coś więcej niż występy – to spektakle, starannie skonstruowane narracje, w których muzyka, słowa i światło łączą się w hipnotyczną alchemię. To monolog, który staje się dialogiem, szept, który przeradza się w okrzyk, rytuał, w którym wrażliwość i siła pulsują surową emocją i nieustępliwą precyzją. W centrum tego spektaklu znajduje się Emese – siła natury, która nie tylko śpiewa, ale wciela się w każdą frazę, nadając jej napięcie, tajemniczość i pulsujące życie. Jej obecność to paradoks: burza zamknięta w bezruchu, szept, który waży więcej niż krzyk. Każdy jej ruch, spojrzenie, gest są świadomie dobrane – precyzyjne jak w kinowej scenie, w której każda sekunda ma znaczenie.
Powściągliwość jest ich tajną bronią. Każdy element – czy to subtelny ruch, błysk światła czy cień padający w idealnym momencie – jest wyostrzony do granic intensywności. Makijaż to maska, ale nigdy przebranie. Kostiumy to manifest, ale nigdy rozpraszający dodatek. Teatralność jest subtelna, a jednocześnie uderzająca – niczym rama podkreślająca, a nie zasłaniająca obraz. Muzyka pozostaje centrum, siłą grawitacyjną, wokół której wszystko krąży. A grawitacja ta jest niezwykle potężna. Świat dźwięków Black Nail Cabaret to labirynt neonowej melancholii, pulsujący darkwave’ową zmysłowością i elektroniczną precyzją. Ich set w Lipsku potwierdził ich znakomitą formę – utwory rozwijały się niczym intymne wyznania, delikatne, ale jednocześnie pełne buntu, z emocjonalnym ładunkiem, który zostawał z publicznością jeszcze długo po wybrzmieniu ostatniego dźwięku. To nie był zwykły koncert – to było wezwanie, rytuał, komunia między artystą a publicznością. Black Nail Cabaret nie domagają się uwagi – oni nią władają z elegancją, która jest tylko ich. A Lipsk, tej nocy, stał się świadkiem ich niezwykłego, muzycznego teatru emocji i znaczeń.
DJ Daniel Myer & Sash
Na zakończenie wieczoru Daniel Myer i Sash zadbali o to, by nikt nie opuścił klubu bez wytańczenia ostatnich godzin nocy. Ich starannie dobrana mieszanka mrocznych elektronicznych brzmień była idealnym pomostem do cięższych, intensywniejszych wrażeń drugiego dnia festiwalu.
Dzień 2
Główna Scena
Vogon Poetry
Z nazwą nawiązującą do Autostopem przez Galaktykę, Vogon Poetry zaprezentowali zestaw pełen synthpopowej energii, błyszczący melodią i emocjami. Po raz pierwszy zainteresowałam się Vogon Poetry, gdy dowiedziałam się, że odważyli się na cover IAMX – to wybór, który mówi wiele o ich artystycznej pewności siebie i ambicji. Zmierzenie się z tak skomplikowanym i emocjonalnie naładowanym artystą to niemałe wyzwanie, więc naturalnie chciałam się przekonać, czy potrafią przenieść ten sam poziom intensywności, głębi i bogactwa dźwiękowego na scenę. I udało im się. Ich występ był ujmujący i angażujący – nie tylko pod względem brzmienia, ale i emocji. Od pierwszych chwil na scenie emanowali autentycznym entuzjazmem i pasją do swojej muzyki, tworząc więź, która roznosiła się po całej sali. To nie jest po prostu zespół grający swoje utwory – oni są całkowicie zanurzeni w swojej sztuce, a to czuć w każdej nucie, każdym ruchu, każdej ekspresji. Występ Vogon Poetry przepełniony był energią, szczerością i zaraźliwą radością z grania. Ich set doskonale balansował między melodyjnymi, syntezatorowymi momentami a pulsującymi rytmami, sprawiając, że trudno było się nie dać porwać. Ich kontakt z publicznością był naturalny, wciągając wszystkich do swojego świata – świata pełnego zabawy, głębi i miłości do synthpopowej narracji. Obserwując ich na żywo, staje się jasne, że to zespół, który tworzy z prawdziwym zaangażowaniem. Nie ma tu pozy, chłodnego dystansu – jest jedynie czysta, nieprzefiltrowana pasja do ich rzemiosła. A taka autentyczność jest rzadkością i działa odświeżająco. Przyszłam dla zespołu, który odważył się na cover IAMX, ale zostałam dla ich uroku, artyzmu i energii, jaką Vogon Poetry wnieśli na scenę.
Accessory
Accessory dostarczyli potężnej dawki energii w Lipsku, łącząc swoje charakterystyczne, mocne beaty z elektryzującą obecnością sceniczną. Ich brzmienie było ostre, nieustępliwe i całkowicie immersyjne – idealne oddanie ich unikalnej fuzji EBM i industrialnych elektronicznych brzmień. Jednak tym, co naprawdę wyniosło ich występ na wyższy poziom, była wizualna oprawa – dynamiczny pokaz wzbogacony obecnością dwóch hipnotyzujących tancerek, których ruchy doskonale synchronizowały się z pulsującymi rytmami, potęgując surową intensywność muzyki. Interakcja między zespołem a tancerkami nadawała całemu występowi dodatkowy wymiar. Ich choreografia nie była jedynie dodatkiem – stała się integralną częścią koncertu, odzwierciedlając moc, agresję i precyzję brzmienia Accessory. Każdy utwór brzmiał niczym dźwiękowy atak, wciągając publiczność coraz głębiej w stan czystej energii i ruchu.
Zespół panował nad sceną z pełnym przekonaniem i charyzmą, bez trudu angażując tłum, czerpiąc energię od publiczności i oddając ją z dziesięciokrotną siłą. Ich występ nie był tylko muzyką – to była atmosfera, wizualny spektakl i czysta moc chwili.
Rotersand
Kocham Rotersand od czasu wydania Exterminate Annihilate Destroy, a za każdym razem, gdy słyszę ich beaty, moje stopy same zaczynają poruszać się w rytm. Lipsk nie był wyjątkiem. Całe Altes Stadtbad pulsowało w jedności, ciała kołysały się i poruszały zgodnie z napędzającą mocą ich dźwięków. To nie była tylko muzyka – to był kinetyczny prąd, fala energii, która przetoczyła się przez całą salę jak niepowstrzymana burza. Rasc i Krischan dostarczyli występ, który na długo pozostanie w mojej pamięci. Ich set był eksplozją dźwięku, rytmu i surowych emocji, perfekcyjnie skomponowaną, by rozpalić publiczność. Z utworu na utwór synergia między sceną a tłumem rosła – energia odbijała się tam i z powrotem, wzmacniając się z każdym beatem, każdym refrenem. Powietrze było naładowane, iskry przelatywały, a ekscytacja stała się niemal namacalna. Duet emanował magnetyzmem, ich interakcja z publicznością była naturalna i angażująca. To nie było tylko granie – to było dzielenie się muzyką, wymiana energii, wzajemne nakręcanie się. Ten koncert przekroczył granice zwykłego występu – stał się czymś pierwotnym, euforycznym i całkowicie pochłaniającym. Endorfiny eksplodowały, muzyka pulsowała w żyłach, a na końcu nie było żadnych wątpliwości – to było Rotersand w najlepszym wydaniu. Noc czystej, nieskrępowanej energii i niezapomniany pokaz tego, dlaczego wciąż pozostają jedną z najbardziej elektryzujących grup na scenie. Brawo.
In Strict Confidence
Mroczni, filmowi i naładowani emocjami – In Strict Confidence od zawsze byli mistrzami łączenia niepokojących wizualizacji z potężną sceniczną prezencją, a ich występ na E-Only Festival No. 14 nie był wyjątkiem. Tym razem zabrali publiczność w podróż w przeszłość, prezentując specjalny old-school set, przywracając na scenę surową intensywność i atmosferę swoich wcześniejszych utworów. Setlista została starannie dobrana, by oddać charakterystyczne połączenie mrocznych elektronicznych pejzaży dźwiękowych, pulsujących beatów i dramatycznych melodii, budząc zarówno nostalgię, jak i nową falę zachwytu. Gra świateł, sugestywne wizualizacje i niepowtarzalny głos Dennisa Ostermanna stworzyły immersyjny świat, który jednocześnie wydawał się intymny i monumentalny. To, co uczyniło ten koncert tak mocnym, to umiejętność In Strict Confidence do balansowania między ciężarem a melodią, agresją a elegancją. Każdy utwór uderzał z precyzją – czy to poprzez głębokie, pulsujące linie basu, czy przez rozległe, filmowe aranżacje syntezatorowe. Występ nie był jedynie hołdem dla ich przeszłości, ale również przypomnieniem o ich trwałym wpływie na scenę dark electronic. Dla długoletnich fanów była to rzadka okazja, by doświadczyć In Strict Confidence w ich klasycznej odsłonie; dla nowych słuchaczy – fascynujące wprowadzenie do ich nieprzemijającej magii.
Aesthetic Perfection
Koncert Aesthetic Perfection w Lipsku otworzył trasę Oldschool Set, poświęconą wyłącznie muzyce wydanej przed 2011 rokiem. To odważny ruch, który naturalnie wywołuje dyskusje wśród fanów. Niektórzy twierdzą, że wcześniejsze utwory miały surowszy, bardziej określony charakter, inni zaś widzą późniejszy materiał jako dowód ewolucji Daniela Gravesa jako artysty. To wieczny dylemat w muzyce – trzymać się sprawdzonej formuły i zachować stałe grono odbiorców, czy ryzykować, eksperymentować i ewentualnie stracić część fanów, zdobywając jednocześnie nowych. Jedno jest pewne: Graves nigdy nie bał się ewoluować, prowokować swojej publiczności i igrać z oczekiwaniami. To, co czyni Aesthetic Perfection tak hipnotyzującym, to nie tylko sama muzyka, ale czysta siła sceniczna – nieposkromiona energia, którą Graves wnosi na scenę. Jego obecność to mieszanka agresji, pasji i teatralności, które ucieleśniają intensywność pulsującą w jego utworach. Jego muzyka, niczym rozżarzona gwiazda, płonie z furią – ekspresyjna, przepełniona emocjami i głęboko osobista. Kwestia tego, czy ktoś woli wcześniejsze czy późniejsze wcielenie Aesthetic Perfection, pozostaje otwarta na dyskusję, ale jedno się nie zmienia – Graves potrafi zawładnąć sceną. Ten koncert był tego dowodem – kiedy artysta osiąga pewien poziom mistrzostwa, dostarcza show, chyba że naprawdę się postara, by zawieść. W tym przypadku o porażce nie było mowy. Występ był elektryzujący, płynnie łącząc nostalgię z surową energią, która od początku definiowała Aesthetic Perfection. Doskonały koncert – od początku do końca.
De/Vision
Zamykając koncerty na głównej scenie, De/Vision przypomnieli wszystkim, dlaczego są jedną z najbardziej wpływowych formacji synthpopowych. Ponadczasowi, pełni emocji i dźwiękowo bogaci, dostarczyli występu, który był pięknym, wzniosłym kontrastem wobec bardziej agresywnych momentów festiwalu.
Druga Scena
frequen-C / TC75
TC75 i Frequen-C dostarczyli intensywne, hipnotyczne doświadczenie dźwiękowe w Lipsku, zacierając granice między industrialem, eksperymentalną elektroniką i surową emocjonalną ekspresją. Tino Claus to kreatywna siła rozproszona na wiele projektów – Amnistia, TC75, ner.ogris, czy jego wokalna współpraca z Spherical Disrupted to tylko niektóre z nich. Jego wszechstronność pozwala mu poruszać się między różnymi obszarami muzyki elektronicznej i industrialnej – od precyzyjnego pulsu dark electro po nieskrępowaną agresję bardziej brutalnych brzmień. W tej kolaboracji z Frequen-C to właśnie ta druga strona wysunęła się na pierwszy plan – visceralna, bezkompromisowa podróż przez ciężkie, industrialne pejzaże.
Była to audiowizualna konfrontacja – starcie dźwięku i obrazu, które było ostre jak brzytwa, wzmacniając intensywność muzyki. Pulsujące beaty splatały się z przesterowanymi teksturami, a głębokie, chropowate warstwy dźwięku tworzyły atmosferę, która była jednocześnie hipnotyzująca i niepokojąca. Claus dominował scenę, jego obecność podkreślała pilność i moc przekazu. Muzyka była gęsta, wielowarstwowa i przepełniona emocjami, wykraczając poza tradycyjne ramy EBM czy dark electro i wchodząc w bardziej pierwotne, konfrontacyjne rejony. Frequen-C dodatkowo wzmocnił ten efekt, wprowadzając nieprzewidywalne elementy, które rozmywały granice między strukturą a chaosem. Było tu kontrolowane nieuporządkowanie – rytmiczne wzory pojawiały się tylko po to, by zaraz zostać zdekonstruowane, beaty nabierały mocy, by po chwili rozpaść się na brutalniejsze, bardziej poszarpane dźwięki.
To nie była muzyka do biernego słuchania – to było doświadczenie, które należało poczuć całym ciałem, całkowicie się w nim zanurzyć. Ten występ wymagał zaangażowania – nie tylko fizycznego, ale i intelektualnego oraz emocjonalnego. Balans między agresją a atmosferą, precyzją a surowością, sprawił, że był to set, który pozostawał w głowie jeszcze długo po tym, jak wybrzmiała ostatnia nuta. W czasach, gdy industrial bywa przewidywalny, TC75 i Frequen-C udowodnili, że wciąż jest miejsce na nieoczywistość, intensywność i prawdziwy emocjonalny ciężar.
AD:keY
Pierwszy raz zobaczyłam Ad:keY na żywo w 2019 roku na Schattenwelt Festival w Wiedniu i już wtedy ich niesamowita energia oraz scenicza charyzma zrobiły na mnie ogromne wrażenie. Rdzeniem zespołu są René i Andrea Nowotny, których chemia na scenie jest absolutnie niezaprzeczalna – ich koncerty to nie tylko występy, ale wręcz elektryzujące przeżycia. Andrea szczególnie przypomina mi płonącą iskrę – pełną wdzięku, charyzmy i siły, magnetyzującą publiczność każdym ruchem.
Muzycznie Ad:keY dostarczają dokładnie tego, co kocham – energetyczne, klubowe beaty, pulsujące rytmy i chwytliwe melodie, które sprawiają, że trudno ustać w miejscu. Ich brzmienie jest bezkompromisowe, dynamiczne i pobudzające – każdy utwór wydaje się zaproszeniem do ruchu. Uwielbiam tańczyć do ich muzyki, zatracać się w ich bitach i czerpać energię z ich niepowstrzymanej energii scenicznej, ale to, co dodaje całości jeszcze większej mocy, to ich wzajemne porozumienie na scenie. Ich spojrzenia, synchronizacja, dzielona pasja – wszystko to sprawia, że ich występy mają niepowtarzalny emocjonalny ładunek i autentyczność. Tym razem w Lipsku do duetu dołączyła Franzi, której obecność nadała ich setowi jeszcze większej głębi i intensywności. Jej dynamika i synergia z Andreą stworzyły niesamowitą sceniczną aurę – dwie potężne siły rozświetlające scenę, podczas gdy René trzymał wszystko w ryzach zza klawiszy, zapewniając precyzję i moc napędzającą brzmienie Ad:keY.. Oglądanie ich na żywo to czysta radość – występ pełen niepowstrzymanej energii, niekończącego się ruchu i atmosfery tak zaraźliwej, że cała sala dała się porwać ich rytmom. Ad:keY nigdy nie zawodzą, a ten wieczór był kolejnym dowodem na to – mocny, wciągający i absolutnie doskonały do tańca.
Zweite Jugend
Zweite Jugend to nie tylko kolejny elektroniczny projekt – to manifest. Zespół, który niesie swoją filozofię w każdej nucie, każdym tekście, każdym występie. Zobaczenie ich na żywo po raz pierwszy w Lipsku było doświadczeniem wykraczającym poza muzykę; to był znak artystycznej i ideologicznej ekspresji, który poruszył mnie głęboko. Tęczowa opaska na ramieniu Eli’ego i flaga dumy na scenie nie były jedynie symbolami – były dowodem na niezachwiane zaangażowanie Zweite Jugend w stanie na straży wartości, w wykorzystywanie muzyki zarówno jako broni, jak i tarczy. Eli, wszechstronny i wykształcony muzyk, ma na koncie udział w niezliczonych projektach – Tension Control, Orange Sector, a nawet występy z Frontline Assembly. Ale Zweite Jugend to coś zupełnie innego. To nie tylko dynamiczna i elektryzująca muzyka – to świadoma kreacja. Każda piosenka, każdy beat, każda interakcja z publicznością kryje w sobie przekaz. Wraz z Marcelem nie tylko grają muzykę – zadają pytania, które pozostają w głowie długo po zakończeniu koncertu. Ich najnowszy album, Der Wille zur Nacht, opiera się na głębokich filozoficznych poszukiwaniach, czerpiąc inspirację z Tako rzecze Zaratustra Nietzschego. Koncepcje tworzenia i rozpadu, wiecznego powrotu, cyklu destrukcji i odrodzenia – to fundament ich twórczości. Jednak to, co wyróżnia Zweite Jugend, to sposób, w jaki przekładają te idee na coś osobistego, coś, co nie jest odległe ani zdystansowane, lecz surowe i emocjonalnie naładowane.Na scenie było to widoczne w każdej sekundzie. Ich set był intensywny – mieszanka kontrolowanego chaosu i precyzyjnej kalkulacji, napędzających beatów, które zmuszały do ruchu, ale i głębi, która wymagała refleksji. Czuło się pilność, poczucie, że to nie jest tylko rozrywka, ale manifest – zaproszenie do konfrontacji nie tylko z muzyką, ale i z pytaniami, które ze sobą niesie.Występ był ostry, immersyjny i przede wszystkim – istotny. Przypomnienie, że muzyka może być czymś więcej niż falami dźwiękowymi; może być siłą, rewolucją, rozliczeniem. Zweite Jugend nie tylko występują – prowokują, kwestionują, inspirują. I w Lipsku właśnie to zrobili.
No Sleep by the Machine
Nazwa No Sleep by the Machine przewijała się w rozmowach sceny elektro już od jakiegoś czasu, owiana aurą tajemnicy i undergroundowego kultu. Gdy zespół zaczyna budować wokół siebie legendę, rzeczywistość może potoczyć się dwiema drogami – albo spełnią oczekiwania, albo mit okaże się większy niż prawda. Na szczęście w tym przypadku spełnienie było całkowite. Ich występ był jak wysokonapięciowy wstrząs elektryczny. Żadnych zbędnych ozdobników, żadnego nadmiaru – tylko czysta siła dźwięku. Minimalistyczna oprawa wizualna kontrastowała z dźwiękową burzą, falą beatów, które miały w sobie siłę zdolną wstrząsnąć betonem. Porównanie do Nitzer Ebb nasuwało się samo – ostre, pulsujące rytmy, bezkompromisowa energia – ale No Sleep by the Machine nie sprawiali wrażenia, jakby kopiowali przeszłość. Zamiast tego, przejęli tę surową esencję EBM i przekształcili ją w coś współczesnego, coś ostrego, naglącego, przykuwającego uwagę.Prawdziwą siłą koncertu była jednak sceniczna charyzma wokalisty. Hipnotyzujący, naładowany energią i w pełni panujący nad sytuacją – on nie tylko śpiewał, on dowodził. Każdy utwór uderzał z chirurgiczną precyzją, nie pozostawiając miejsca na dekoncentrację – była tylko pełna immersja. To była muzyka w swojej najczystszej, najbardziej pierwotnej formie, bez wypełniaczy, bez udawania – tylko pulsujące, industrialne elektro w najbardziej surowym wydaniu.Dla tych, którzy pragną esencji electronic body music bez kompromisów, No Sleep by the Machine dostarczyli show z intensywnością, która nie pozostawiała wątpliwości. Eksplozja dźwięku, rytmiczna nawałnica i koncert, który nie tylko spełnił oczekiwania – on je zmiażdżył.
Leæther Strip
Leæther Strip od dawna jest jednym z kluczowych nazwisk sceny electro-industrial, a ich występ był dowodem na ich trwały wpływ i siłę oddziaływania. Pulsujące beaty, surowa energia i niepodrabialna intensywność – Claus Larsen zawładnął sceną swoją charakterystyczną mieszanką agresji i emocji. Set dostarczył dokładnie tego, czego fani mogli oczekiwać – potężnych, bezkompromisowych rytmów, mocnych wokali i nieustępliwej dźwiękowej siły, która wypełniła całą przestrzeń. Jednak poza samą mocą muzyki w występie było coś więcej – niezaprzeczalna autentyczność. Każdy elektroniczny puls i każda linijka tekstu miały swój ciężar, były przeżywane i przekazywane z maksymalną intensywnością. Chociaż show zanurzało się w mrocznej, brutalnej stronie industrialu, to jednocześnie tworzyło silną więź z publicznością. Larsen nawiązał z tłumem relację, będąc jednocześnie potężną sceniczną siłą i osobą, której emocje były prawdziwe, namacalne. Leæther Strip nieprzerwanie udowadniają, dlaczego pozostają filarem gatunku – wierni swoim korzeniom, a jednocześnie wciąż brzmiący świeżo i mocno, trafiając do kolejnych pokoleń fanów.
Cat Rapes Dog
Cat Rapes Dog dostarczyli dokładnie tego, czego można oczekiwać od zespołu o ich statusie – czystej, nieprzefiltrowanej energii, odrobiny bezczelnego humoru i elektryzującego występu, który porwał całą salę. Ich niesamowita synchronizacja na scenie była potężnym widowiskiem – wściekłe gitary idealnie współgrały z pulsującą elektroniką, a mocne wokale napędzały występ siłą nie do zatrzymania. Od pierwszych taktów zespół rozpętał dziką, niepowstrzymaną atmosferę, zmieniając całą salę w pulsującą masę ciał, pochłoniętych ich industrialno-punkową furią. Ich sceniczna prezencja nie była tylko potężna – była wręcz magnetyczna. Każdy ruch, każde spojrzenie, każdy dźwięk potęgowały energię, która wypełniała przestrzeń od ściany do ściany. Jednak to, co naprawdę wyróżniało ten koncert, to ich specyficzne poczucie humoru i interakcja z publicznością. Pomiędzy kolejnymi eksplozjami dźwiękowymi nawiązywali kontakt z widzami z figlarną, niemal psotną energią, dając do zrozumienia, że chociaż traktują swoją muzykę poważnie, to jednocześnie wiedzą, jak dobrze się bawić. Ta dynamiczna mieszanka mocy i humoru, intensywności i lekkości stworzyła atmosferę, która była nie tylko ekscytująca, ale też całkowicie pochłaniająca.
Pod koniec ich występu energia w sali była namacalna, niczym naładowane elektrycznością powietrze przed burzą. Cat Rapes Dog udowodnili, że nie są tylko zespołem wspominanym przez pryzmat nostalgii czy kultowego statusu – to wciąż żywa, pulsująca siła industrialnej energii, zdolna rozniecić ogień w każdej sali koncertowej.
DJs A.L.E.X & Paradroid
Na zakończenie festiwalu, gdy ostatnie godziny zamieniły się w pełne potu, niekończące się tańce, A.L.E.X i Paradroid stworzyli afterparty, które utrzymało intensywność aż do ostatniego beatu.
Podsumowanie
E-Only Festival No. 14 to mistrzowskie zderzenie stylów, brzmień i czystej, emocjonalnej energii. To festiwal, który nie tylko dostarcza rozrywki – on zostawia ślad, który rezonuje jeszcze długo po wybrzmieniu ostatnich dźwięków.
Kolejna edycja odbędzie się w Lipsku w dniach 13-14 marca 2026. Zapiszcie tę datę!
https://www.eonly-festival.de
